Non c’è proprio nulla di folkloristico in tutto ciò, ma solo di preoccupante. E oltretutto i Naer Mataron facevano cagare.

Quando un giorno qualcuno vorrà fare un film su una band talentuosissima ma sostanzialmente sfigata e dalla vita tormentata, si leggerà una bio degli Anathema e avrà mezzo copione già pronto. A quel punto, ormai irrimediabilmente contagiato, tutti gli attori daranno forfait, la casa di produzione fallirà e il mezzo copione finirà bruciato in un incendio.

Degli Anathema – band che muove passioni che nemmeno una squadra di calcio – si può dire tutto ma non che non si siano aggrappati alla loro musica con le unghie e con i denti: nonostante continui cambi di formazione, nonostante il fallimento della casa discografica, nonostante il dover chiedere ai propri fans di finanziare la registrazione dei dischi (in un periodo in cui Kickstarter era ancora da inventare).  

Nonostante il perdurante dileggio dei fan della prima ora (la categoria peggiore, sempre) perchè non suonano più doom metal (ai tempi del primo disco, Vincent Cavangh aveva 21 anni!). Nonostante si possano indicare come una delle più importanti rock band inglesi degli ultimi quindici anni, ma senza che questo gli abbia mai aperto le porte del grande pubblico, ancora fatto per lo più di metallari ed ex metallari e qualche progster nostalgico dei bei tempi che furono.

No, gli Anathema non hanno rilasciato un secondo “Judgement”, ma “Weather Systems” rischia seriamente di essere la cosa migliore da quei tempi (ed erano gli anni Novanta). Meno depresso e lancinante (brani come “Lighting Song” e “Sunlight” sembrano quasi ammantati di positività, non fossero degli Anathema) , meno incentrato sulle atmosfere e più sulle canzoni, e sono ottime canzoni. Quasi tutte a firma Daniel Cavanagh, che qui abbraccia sovente e volentieri l’acustica, salvo lasciarla da parte per ormai i suoi noti assoli pinkfloydiani. E si conferma Lee Douglas una delle voci femminili migliori del panorama.

Per gli Anathema è finito il tempo delle evoluzioni: ormai hanno trovato la loro cifra stilistica, basta cambi repentini di rotta e vai di affinamento, di levigatura. Il disco esce morbido e rotondo, i suoni cristallini, e le canzoni… le canzoni, ora, ci sono. Come ai bei tempi. “Untouchable”, “The Gathering Of The Clouds” o “The Storm Before The Calm” sono tra le cose migliori degli Anathema di sempre. Consigliatissimo.

Una delle cose migliori di internet è imbattersi in band sconosciute e ritrovarsi a volerne sapere di più, perchè una manciata di brani ascoltati a cuffie schiacciate sui timpani, magari di notte, mentre fuori piove e il resto della famiglia sonnecchia, proprio quella manciata di brani ha decisamente colpito nel segno.

Nel caso dello sconosciutissimo duo elettro-pop Ms Mr la manciata di brani si riduce a uno solo, e le ricerche su di loro hanno prodotto come risultato: 

- che sono in uscita con un EP di tre brani +  cover
- che “Hurricane” è il primo singolo
- che supporteranno Marina & The Diamonds nel tour americano
- che sono di New York.

Tutte credenziali ottime. Beccatevi il video (“Hurricane”) e fate un fischio se riuscite a saperne di più!

Nella migliore tradizione, inaugurata dagli Spinal Tap, il loro credo inattaccabile è il non prendersi affatto sul serio (notate il video di “To Be The Best”, cui partecipano anche alcuni personaggi noti dello show-business) e, possibilmente, non prendere sul serio nessun altro sul pianeta terra, riuscendo anche ad avere in repertorio alcuni brani davvero spassosi. 

E visto il momento non proprio felice che il mondo intero sta vivendo, magari riderci sopra potrebbe diventare l’unica opzione possibile per non farsi sopraffare dallo sconforto: lasciate fare ai Tenacious D ed al nuovo “Rize Of The Fenix”!

Non chiamateli hipsters: Fun... (Francesco Eandi)
Walk Off The Earth, una cover band... (Francesco Eandi)
Freddie Mercury – 20 anni... (Marco Banfi)
Epica – “Requiem for the Indifferent”... (Marco Banfi)
Come attivare Google Music e vivere felici (rimanendo in Italia) (Francesco Eandi)
Meshuggah – “Koloss”: il piacere di non evolversi (Andrea Costanzo)
High On Fire – “De Vermis Mysteriis”: ascesa all’olimpo del metal! (Nico Segantin)
Indie playlist for girls (ovvero le 10 canzoni indie dedicate all’amata) (Niccolò Mulas)
Mark Lanegan live in Bologna, ovvero anche le statue... (Francesca Garattoni)
C’erano una volta gli Smashing Pumpkins. James Iha – “Look to the Sky” (Niccolo Mulas)
10 concerti completi in full HD (Federico Zilli)

Nati ufficialmente dopo lo split dei fondamentali Kyuss (gruppo che ha avuto a sua volta guai con l’industria discografica per far uscire il bellissimo “Sky Valley”) e dopo che il cantante John Garcia aveva tentato di dare continuità artistica alla sua carriera con gli effimeri (ma autori di un grandioso EP) Slo Burn, avevano già all’attivo uno split EP (“The Best Of Wayne-Gro”, 1999) con i Dozer e, soprattutto il CD d’esordio “Copying With The Urban Coyote”, uscito lo stesso anno per la stoner-label per eccellenza, la Man’s Ruin di Frank Kozik e contenente forse una delle più belle canzoni stoner mai realizzate, ovvero la conclusiva “You Wish“.

Ma a questo punto la situazione si complica: il secondo lavoro della band avrebbe dovuto uscire per l’etichetta di Rick Rubin, l’American recordings patrocinata dalla major Columbia, ma a quel punto i rapporti del barbuto producer americano con la Sony ebbero una frattura, tanto che trasferì tutto alla Def Jam con distribuzione Island. Il disco, nonostante fosse già completo in tutti i suoi aspetti, dalla registrazione all’artwork, subisce dei ritardi nella pubblicazione che finiscono per diventare esasperanti. Dopo poco il gruppo scopre che a qualcuno dell’entourage dell’etichetta il disco non piaceva e parte una serie infinita di beghe legali, finchè la band si scioglie e Garcia si unisce agli Hermano.

Il disco, che avrebbe potuto intitolarsi “El Coyote” o “The Great Divide”, verrà pubblicato solo in forma semi-ufficiale e su vinile, e presenta un piglio decisamente più hard rock e indugia meno sul carattere stoner per concentrarsi su composizioni più quadrate e meno dedite alle dilatazioni proprie del genere. Però è un signor disco di hard rock, forse una gemma nascosta un po’ come “Beyond Good And Evil” dei Cult… per cui non sarebbe male se qualche etichetta decidesse di render loro giustizia, tra l’altro adesso che Garcia gira per i festival riesumando per 3/4 (ovviamente senza Josh Homme) il fantasma dei Kyuss, col progetto Kyuss Lives! Viene spontaneo chiedersi se le cose avrebbero potuto essere diverse…

Un filo nero e vellutato connette Lydia Lunch Ai Dresdne Dolls, passando per i Devotchka. Il nome è “Dark cabaret”. Teatralità, dolori circensi, Brecht, rock e influenze d’ogni genre. L’entrata è gratis, l’uscita non certa…

- Dresden Dolls “Coin Operated Boy”
- Devotchka “The Last Beat Of Your Heart”
- Birdeatsbaby “What The Water Gave Me”
- Vermillion Lies “Circus Apocalypse”
- Marcella And The Forget Me Nots “What Have You Done To Your Face?”
- Hannah Fury “Defenestration”
- Emilie Autumn “Fight Like A Girl”
- Lydia Lunch “Gloomy Sunday”
- Rasputina “The Olde Headboard”
- Voltaire “Zombie Prostitute”
- Jill Tracy “Haunted By The Thought Of You”
- Circus Contraption “Hoochie Coochie Girls”
- Battle Circus “Send In The Clones”

E’ un problema di associazioni mentali. E nella fattispecie, parlare di “electro pop svedese” mi fa immediatamente venire in mente  Karin e Olof Dreijer, in arte i The Knife. I miei amati The Knife. Per (non) tacere dei notevolissimi Fever Ray, progetto solista di Karin.

E in effetti questi Niki And The Dove, anche loro un duo, anche loro svedesi, ricordano parecchio il suono dei fratelli Dreijer. Ma il risultato è meno oscuro ed elaborato, mancano le atmosfere dark e morbose in cui i The Knife sovente indugiano e vanno invece più dritti al punto. Electro pop, appunto.

Il 14 maggio è in uscita il disco “Instict”, ma i singoli già pubblicati sono quattro, e tutti eccellenti. 

L’ultimo in ordine di apparizione è “All This Youth”.

Ma fatevi un favore, e ascoltatevi anche “Tomorrow”, “The Fox” e “DJ Ease My Mind”. Se le premesse sono queste, l’album sarà mio senza dubbi. Ah, escono per Sub Pop.

Più melodico e meno graffiante del disco d’esordio “Carnavas” ma più cupo di “Swoon”, è il lavoro di un gruppo che negli anni è maturato verso un suono estremamente caratterizzante, fatto di riverberi e atmosfere oniriche. Buon ascolto!

Le cover possono essere un abisso di reietta sfortuna o piccole gemme di inventiva e trasformazione. Con la mia nuova co-presentatrice Victoria tento di analizzare entrambi i casi….

- Marilyn Manson “You’re So Vain”
- Emilie Autumn “Girls Just Wanna Have Fun”
- Faith No More “Poker Face”
- Yael Naim “Toxik”
- Tori Amos “Rattlesnake”
- Korn “Word Up”
- Alien Ant Farm “Smooth Criminal”
- Dynamite Hack “Boyz In The Hood”
- Anya Marina “Whatever You Like”
- Morrisey “That’s Enetertainment”
- Seu George “Life On Mars!”
- Nirvana “The Man Who Sold Thw World”
- Machine Head “Negative Creep”

L’idea del “facciamo outing” è una serie di post in cui si confessa l’inconfessabile: ad esempio delle passionacce pop da analfabeta di ritorno che, se si sapessero, sarebbero in grado di smontare quel po’ di reputazione sul campo che ci si è costruiti. Come scrivere su una rivista metal e farsi beccare con il disco di Kate Perry in macchina, ad esempio. O  preferire i Marillion del periodo Fish snobbando quelli del periodo Steve Hogarth, e poi andare ai concerti della Pausini.

Ecco, ci sono cose come queste che rimangono segrete per anni. Poi il tempo mette un po’ d’ordine tra le priorità della vita (oppure è a vent’anni che le priorità uno ce le ha tutte collocate in modo corretto, e allora diremo che il tempo tende solo a fare un gran casino) e ci si scopre a pensare che, tutto sommato, ma chissenefrega. Nemmeno che scrivere per una rivista metal fosse un’attività redditizia. Neanche Fish ci passasse uno stipendio.

Per cui. Lady Gaga.

Io adoro Lady Gaga. Ecco, l’ho detto. Non musicalmente: il team di compositori cui si rivolge è bravo, ma nulla di più. Oppure è la produzione, la iper-produzione anzi, che omogenizza e rende uguali tutti i brani – nella struttura, negli hook, nei ritornelli, nel giro degli accordi. No, io l’adoro per l’attitudine. L’approccio. Presentarsi per strada come sul palco, e sul palco presentarsi come in un film di fantascienza di second’ordine, o un fantasy di serie Z. 

Questa va a una partita di baseball in lingerie borchiata e calze a rete strappate. Incontra la Regina Elisabetta vestita come la Regina di Cuori di Alice In Wonderland. Va agli MTV Music Awards con un vestito di bistecche. Va a fare shopping indossando un prato a margheritine. Si presenta alle interviste con una zanzariera appesa in testa.

Cos’ha di diverso rispetto alle altre starlette o starlone che le contendono la posizione in classifica, il video in heavy rotation, il jingle da spot di compagnia telefonica? Ma scherziamo? Katy Perry: canzoni decenti, ma zero personalità. Rihanna: sexy fin che si vuole, ma alla fine è come la pubblicità del Saratoga: si punta sulla passera per vendere tutt’altro. Christina Aguilera: voce inarrivabile, ma l’attitudine è alla Rihanna, a giocare a chi ha il tanga più simile a un filo da pesca.

Madonna sul palco del tour di "Confessions", nel 2006

Anche Madonna, tra i personaggi pop più intelligenti e di impatto degli ultimi trent’anni, limitava (ne parlo al passato perchè non è bene prendersela con le signore di una certa età) la sua trasgressione al solito sesso. Meglio se nello stesso video con qualche feticcio religioso, tipo il clip di “Like A Prayer” girato in in sottoveste in una chiesa, o lei con tanto di corona di spine che si fa crocifiggere durante il tour di “Confessions”, con conseguente sciabordio polemico dal Tea Party, alle mamme anti-rock, a Comunione e Liberazione (ignoro se CL abbia mai fatto polemica con Madonna, ma mi sembrano i tipi).

La lezione di Madonna la discepola Gaga  l’ha imparata – e pure riproposta – in pieno; ma la sua è una trasgressione molto più ampia, perchè non strizza (solo) l’occhio a ciò  che è normalmente inteso come cool – il sesso, la libertà di espressione, il giovanilismo – ma è una trasgressione del buon gusto. Chi si presenterebbe vestito di carne sanguinolenta? Chi riuscirebbe se non Lady Gaga a organizzare (nel video di “Paparazzi”) un balletto in sedia rotelle e stampelle? In “Born This Way” gioca anche a fare la freak, sovvertendo i suoi connotati già di per sè non troppo morbidi e regolari. Guardate i suoi video, e vi verrà in mente più di un b-movie di genere.

Madonna, Kate Perry e compagnia, fuori dal palco sono inavvicinabili, protette da stuoli di bodyguard a difendere la privacy dell’artista: in quanto l’artista s’offre già tutta sul palco, sembra di sentirli dire, e dunque lasciamo l’artista tranquilla al di fuori di questo.

Tranquilla un par di palle. Che convenzionali! Se Lady Gaga va a comprare il pane, indossa sicuramente un vestito a forma di biova, o comunque qualcosa di talmente improbabile che chiunque si volterà a vederla! D’altra parte quando non si veste come un supereroe della Marvel, ci fanno immediatamente un servizio: “Breaking News! Lady Gaga si veste normalmente!”, pubblicò il sito di gossip TMZ una volta che la beccò indossare qualcosa di vagamente umano.

Lady Gaga è il dadaismo del XXI secolo, è la vita che imita l’arte – come diceva Oscar Wilde. Talento musicale scarso, voce costruita, non è bella, è alta un metro e un’unghia finta. Ma ha tutto il resto, o meglio: ha carattere. E questo, nel suo caso, basta e avanza. Ora deve solo trovare qualcuno che le scriva i pezzi.

L’ex DJ del glorioso CBGB’s di New York era reduce da un periodo non proprio felicissimo dal punto di vista artistico: dopo la tiepida accoglienza del precedente ritorno “Scorpio Rising”, aveva avuto l’idea di unire le sue forze ad un Danzig definitivamente a corto di idee (e i più cattivi direbbero anche di dignità…) e ai Ministry, anch’essi piuttosto in declino.

Ora invece ritorna al suo progetto madre con un disco finalmente all’altezza del suo passato. 

Ad ascoltare l’opener, “Eternal Heat”, troppi punti interrogativi affollano la mente, trattandosi di una traccia che accantona tutto in favore di un’ irruenza difficilmente mostrata prima.  Si tratta però solo di un lato dei nuovi Prong: si riscoprono nel disco le composizioni da “Killing joke metallizzati” che li hanno resi celeberrimi. Inserti elettronici azzeccati, ritmi incalzanti, chitarre ruggenti e tonnellate di groove… se non fosse che i metallari non ballano, ci sarebbe assolutamente da scatenarsi su canzoni di klingoniana memoria come “Revenge… best served cold”!

Forse questo non sarà IL disco dei Prong, ma un ritorno assolutamente degno assolutamente sì.  Chi li ama li segua!!

Non so se è anche una delle mie canzoni preferite, ma in quanto a videoclip “Sabotage” è perfetto: come sintesi dell’intelligenza goliardica dei BB, e come omaggio ai polizi(ott)eschi americani dei Settanta.

Adam ha anche diretto la maggior parte dei video del trio…

Grottesco, ma sapevate che Wikipedia tiene una lista delle personalità mancate nel 2012? Grottesco e inquietante.

I Rise and Fall non sono esattamente delle celebrità, anzi sono proprio il contrario delle persone famose. Perché? Innanzitutto vengono da uno sperduto angolo di Belgio (Ghent) di cui noi tutti ci scorderemo una volta terminata questa frase. In secondo luogo, da bravi punksters, diffondono il loro nettare musicale solo nell’underground, che – si sa – più si è di nicchia più ci si sente dei ganzi. Eppure, imperterriti, i nostri hanno ormai dimostrato di meritarsi un posticino di prestigio anche nel cuore degli hardcore-lovers (perdonate il neologismo) meno sfegatati. Sono al quarto lavoro, e la curva di rendimento tracciata dagli esperti mostra un incremento di disco in disco che fa venire la pelle d’oca. 

 Allora, tanto per cominciare parliamo di “A hammer and nails”, prima canzone del disco. Biglietto da visita niente male, mi son detto: praticamente come finire sotto una schiacciasassi. E con l’avanzare della tracklist si migliora di secondo in secondo, finendo materialmente e psicologicamente sfiniti dal drumming chirurgico e dalle chitarre tremendamente simili a motoseghe. Poi arrivi alla 5, “Things are different now” che, già dal titolo, ti fa venire qualche dubbio, e il gruppo mette su un altro vestito: improvvisamente ti accorgi che i quattro ragazzi belgi non hanno solo una furia da far venire i capelli bianchi, ma hanno anche imparato a menadito la lezione dei seminali Converge, come dimostrano, al pari, la successiva “Breathe” e la conclusiva- ispiratissima- “Faith\Fate”. Un po’ di carota, un po’ di bastone: non c’è solo hardcore nella proposta dei Rise and Fall (che, dall’anno domini 2005 si accompagnano, guarda un po’, a mastro Ballou) ma anche la giusta dose di post(-rock, -metal, -punk o anche sludge: mettetela un po’ come vi pare) e noi godiamo tutti come macachi.

Mentre aspettiamo che questo 2012 ci regali ancora altre valanghe di musica tritaossa (non ultimo l’ottavo album in studio dei Converge, tanto per dire), possiamo lenirci le ferite con la ricetta di questi belgi scalmanati dei cui live si dicono meraviglie. Lasciatevi dare un consiglio: appuntatevi questo nome e mettete “Faith” sul lettore (o sull’i-pod o dove diavolo vi pare). Non ve ne pentirete.

Mancavano solo i Mesmerize e gli Adramelch all’elenco dei comeback degli italici alfieri del sacro verbo del metallo pesante vagamente progressivo.Gli Adramelch sono tornati con un nuovo album (di cui sentirete parlare presto), e i Mesmerize stanno per, dopo un lustro di assenza dalle scene. E la ripresa dell’attività dal vivo è la più tangibile testimonianza di questo atteso e piacevole ritorno. Specialmente se, come in questo caso, il tutto avviene gratuitamente a meno di 20 minuti di macchina da casa mia.

Colgo quindi la ghiotta occasione al volo e mi presento bello come il sole alla cantina Valsa, vero epicentro del disagio sociale giovanile della ridente cittadina lacustre di Arona: un salone di buone dimensioni con bancone e palco, tavolini spartani che col tempo collezioneranno il dovuto quantitativo di incisioni e unto, l’immancabile calcio balilla, una stanza separata dove mangiare qualcosa di semplice ma assolutamente onesto. 

La cena passa interamente nello studio delle nuove leve grossomodo-metalliche presenti sul posto. Già, perché ormai, dall’alto dei miei 33 anni suonati, avere a che fare con orde di minorenni che si sono tuffati in una centrifuga contenente i pantaloni di Axl Rose, la camicia di Kurt Cobain e il parrucchino di Justin Bieber mi mette un po’ a disagio. Ma se non altro rispetto ai “miei tempi” la situazione è decisamente meno omoerotica.

Il motivo degli ibridi stilistici di cui sopra viene presto spiegato dalla comparsa del gruppo di supporto, tali Leather, band di palese derivazione liceale che, a dispetto della poca canonicità del look, di un cantante che volendo spaziare dai Guns ai Megadeth ottiene a tratti un effetto “Patty Cannavacciuolo” e di un batterista invasato che pretende di suonare “Paradise City” come se fosse un brano degli Emperor, mostra un’ottima base tecnica e una capacità di coinvolgere assolutamente encomiabile alla luce della giovanissima età media del gruppo.

Ecco quindi il turno dei Mesmerize, che – risolti i problemi iniziali di volume – dimostrano una volta di più cosa voglia dire “metterci l’anima”. Nonostante la serata gratuita ed un pubblico ottimisticamente valutabile tra le 50 e le 100 presenze, la band magentina non risparmia sudore, scream, pose e virtuosismi, proponendo tanto brani d’archivio quanto due o tre nuove proposte dal disco in arrivo, provvisoriamente intitolato “One Door Away”. Oltre ad un paio di cover assolutamente esaltanti: una versione vitaminizzata di “Hail&Kill“ (Manowar) e una incredibile variante speed-metal di “Promises” dei Cranberries che mi auguro vivamente venga inserita nel prossimo disco…

In conclusione, una ottima performance ed un ottimo preludio al disco in arrivo. Prossimamente (il concerto si è tenuto il 28/4) la band terrà altre date dal vivo: si parte venerdì 18 maggio al Rock’n'Roll di Romagnano Sesia, in compagnia dei Labyrinth, ma certamente con l’uscita del disco le occasioni per rivederli dal vivo non mancheranno.

Metti che non riesci ad andare al concertone del primo maggio: perchè non sei a Roma e nemmeno in una città dove la sera del primo maggio fanno anche solo un concertino, perchè abiti in mezzo ai monti, perchè piove, perchè i figli ti reclamano, perchè hai già schedulato una conference call con il managing partner sulla presentation per il meeting del briefing del… per il giorno dopo, perchè hai fatto indigestione di costolette alla brace e ora siete tu, del bicarbonato e quattro liti di acqua e limone (o, in alternativa, una bella bottiglia di grappa, che è decisamente più rock’n'roll).

Ebbene, nel caso servisse una playlist a tema, eccola. 

1. John Lennon – Working Class Hero

Un classico del Lennon solista, coverizzata da così tante band che si fa prima a dire chi non l’ha rifatta. Ecco, pare che Patty Pravo non l’abbia mai rifatta, e nemmeno i Manowar.

2. Rush – Working Man

I get up at seven, yeah
And I go to work at nine
I got no time for livin’
Yes, I’m workin’ all the time

3. Pet Shop Boys – Opportunities (Let’s make lots of money)

Il mondo del lavoro visto da quegli edonisti geniali dei PSB. Perfetti interpreti del sogno americano, e pazienza se sono inglesi:

Oh, there’s a lot of opportunities
If you know when to take them, you know?
There’s a lot of opportunities
If there aren’t, you can make them
Make or break them

Reagan è stato orgoglioso di voi, ragazzi!

4. Depeche Mode – Work Hard

La band di Basildon viene dalla classe operaia, e qui la celebra appieno. “Devi lavorare duro”!

5. Bruce Springsteen – Factory

In “Factory” si dipinge la dura routine a cui un operaio di una fabbrica è sottoposto. Condizione che Springsteen conosceva bene, essendo la sua famiglia di estrazione operaia.

6. The Beatles - A Hard Day’s Night

Documento d’epoca notevole. Ma non avevano caldo con quelle giacchette?

7. Francesco Guccini – La Locomotiva

Una delle canzoni simbolo di Guccini. In realtà la canzone è sì sua, ma ispirata alle canzoni anarchiche e di lotta di inizio Novecento.

8. Peter Gabriel & Kate Bush – Don’t Give Up

Mai così tanto di attualità come in questo periodo. La disoccupazione:

Moved on to another town
tried hard to settle down
for every job, so many men
so many men no-one needs

9. Dropkick Murphys – Workers Song

La voce del punk irlandese, in un classico della loro produzione in una canzone sul lavoro e sui lavoratori. Secondo la lezione dei Clash e del punk in genere…

10. The Clash – Career Opportunities

Dicevamo dei Clash…? Una visione delle opportunità lavorative assai diversa da quella dei Pet Shop Boys:

Career opportunities are the ones that never knock
Every job they offer you is to keep you out the dock
Career opportunity, the ones that never knock

I Paradise lost sono dunque giunti alla loro tredicesima fatica in studio e continua l’opera di restaurazione dopo l’infausta infatuazione per i Depeche Mode ed il synth rock. Oggi più che mai il punto di riferimento costante rimane il loro lavoro più riuscito, ovvero “Draconian Times”. Ovviamente difficilmente riusciranno a raggiungere nuovamente una tale vetta a livello di ispirazione o a creare nuovamente un lavoro che abbia la stessa rilevanza storica; questo però non significa che non siano in grado di creare dei buoni dischi, con i limiti di cui sopra. Il nuovo “Tragic Idol”, con la sua grafica in stile art nouveau, è esattamente questo: un buon disco che sicuramente non mancherà di soddisfare i palati dei loro fan e di tutti gli iniziati al verbo del gothic/doom metal del quale i Paradise Lost sono valentssimi esponenti da un lunghissimo periodo. Al solito, le canzoni sono coese ed ispirate, soprattutto il lavoro alla chitarra solista di Gregor MacKintosh che, dopo la brutale sferzata inferta coi i Vallenfyre, ritorna nei ranghi perfettamente rinvigorito e indenne. Ci sono episodi forse un po’ più debolucci come la non riuscitissima “Honesty in death”, ma nello svogersi del disco, c’è spazio per la melodia di “In this we dwell” come per brani maggiormente movimentati come “Theories from another world” o variegati come “Fear of impending hell” o la title track. Ma forse il brano migliore è la conclusiva “The glorious end”.

Ogni ascoltatore dunque si disponga a ricevere questo nuovo lavoro, come quello di una band che è stata in grado di creare un proprio suono, che va apprezzata sia per la sua valenza storica, sia per la strenua dignità dimostrata nel dare alle stampe lavori il cui standard qualitativo si è sempre mantenuto a livelli assolutamente alti, non permettendo alla propria formula di invecchiare.

Episodio durissimo da fare e probabilmente estremamente controverso. Non l’avrei mai detto, ma pare che ora sia “cool” provare odio infinito verso l’indie rock di qualunque tipo. Voglio scoprire il perché, quindi lo analizzo. A 360 gradi!

- Pixies “Wave Of Mutilation”
- Slint “Washer”
- Pavement “Summer Babe (Winter Version)”
- Arcade Fire “Rebellion (Lies)”
- Neutral Milk Hotel “In The Airplane Over The Sea”
- Guided By Voices “A Salty Salute”
- Yo La Tengo “Sugarcube”

 - Modest Mouse “Dramamine”
- The Magnetic Fields “You Must Be Out Of Your Mind”
- Low “Lazy”
- The Shins “Caring Is Creepy”
- Of Montreal “Id Engager”
- The Housemartins “Happy Hour”
- Belle And Sebastian “I Want The World To Stop”
- Coco Rosie “Good Friday”
- The Mynabirds “Numbers Don’t Lie”

I nomi sono Al Cisneros, Matt Pike e Chris Hakuis, insieme si pronunciano Sleep. Una delle più belle realtà degli anni ’90, con vent’anni di ritardo sulla tabella di marcia. Dopo l’uscita del mai abbastanza lodato “Sleep’s Holy Mountain” (Earache Recs. 1993) i nostri si ritovano in tour con nomi come Cathedral ed Hawkwind, si fanno sospingere dall’onda lunga dello stoner/doom che, per un attimo, sembra prendere seriamente piede ed acquistare una seria rilevanza anche a livello commerciale.

Tanto che una major come la London, mancando di artisti nel campo, si arrischia a metterli sotto contratto. Scelta azzardata, se non proprio incosciente, poichè la band ha in cantiere il suo progetto più ambizioso: un unico brano dalla durata stratosferca che si aggira attorno al giro d’orologio. Decisamente troppo per la major che non sa che fare con un disco ingombrante ed anticommerciale come quello.

Prima mandano qualcuno a remixarlo, ma non ne cavano fuori nulla, e i soldi promessi (e spesi dalla band per sanare i loro debiti accumulati) e la libertà artistica finiscono giù per lo scarico e le cose giungono ad un punto di rottura. Viene rilasciato a malapena un rarissimo promo, ma poi la band si scioglie mestamente dissolvendosi in una nuvola di fumo… 

Il disco però freme per essere pubblicato, e ne esce una prima stesura per la Rise Above/Music Cartel nel 1999, in versione editata e non autorizzata, con il titolo di “Jerusalem”, viste le crescenti affinità spiritual del gruppo col vicino oriente. La Tee Pee Records lo fa invece uscire nel 2003 col titolo “Dopesmoker”: la durata è leggermente maggiore e lo stesso Cisneros avrà a dire che questa versione è probabilmente quella più vicina al loro intento iniziale. L’uscita ha un certo successo e, piccola curiosità, alcuni frammenti del brano finiscono anche nella colonna sonora di “Broken Flowers” di Jim Jarmush, regista indipendente -e grande fan del gruppo- da noi noto soprattutto per “Daunbailò” con Roberto Benigni, Tom Waits e John Lurie.

Questo fino ad oggi perchè la Southern Lord ha deciso di rendere nuovamente disponibile il lavoro, in collaborazione con Cisneros, in una nuova versione, decisamente curatissima, con un nuovo artwork di Arik Roper e masterizzata usando i nastri originali, assieme ad una versione live di “Holy Mountain” registrata dal vivo a San Francisco nel 1994. Si può quasi affermare che giustizia sia fatta per un disco ed una band fin troppo bersagliati dalla malasorte: e lunga vita postuma agli Sleep!

Centellinerò per bene il disco, ascoltandolo con cura. E vi dirò cosa ne penso (se vi interessa; ma, ehi, che vi sia qualcuno a cui freghi qualcosa quello che dici è alla base del tenere un blog, o mi sbaglio?). Nel frattempo, questa è l’opener, bellissima.

Anathema – “Untouchable part 1″

La maggior parte delle persone sono convinte che la patria del death/doom metal risieda, a ragione, quanto più distante possibile dall’ Australia. Ebbene, esisteva un’eccezione a tale regola chiamata dISEMBOWELMENT. Lontani dalla Scandinavia e dalla Gran Bretagna, come i fondamentali Winter, i nostri diedero al genere un contributo assolutamente rilevante e, dopo essersi reincarnati nei dUSK, oggi rivivono nella sezione ritmica di questi Inverloch, che ne raccolgono idealmente il testimone, debuttando sulla corta distanza con questo EP. 

I tre brani presenti sono esattamente questo: un eterogeneo rimescolarsi di rarefazione sonora (fatta di passaggi acustici, come di fredda sintesi elettronica), sorda furia death metal e sulfurea oppressione doom, tenuti assieme da un gruppo di strumentisti assolutamente in grado di rendere credibile e coinvolgente tale miscela, scoperchiando una catacomba morbosamente affascinante, sia pure nel suo putrido contenuto. Bentornati!

Dopo “soli” 14 anni dall’uscita di “Let it come down” (quel piccolo capolavoro intimista che non molti conoscono), James Iha, storico chitarrista di origini giapponesi degli Smashing Pumpkins, torna sulle scene con un nuovo disco solista dal titolo “Look to the Sky”. La domanda è d’obbligo: che fine aveva fatto James Iha? L’apparizione più importante è stata sicuramente quella con gli A Perfect Circle nel 2004, poi di lui si perdono un po’ le tracce tra una colonna sonora per il film “Linda Linda Linda” di Nobuhiro Yamashita, varie collaborazioni e vari progetti in giro per il globo. 

Ma nonostante tutto, la sua calma tipicamente zen nel disegnare melodie semplici ma avvolgenti non si è persa nel tempo, anzi si è rafforzata con arrangiamenti più incisivi che non risparmiano neppure divagazioni sintetiche. A supportarlo musicalmente in questo lavoro c’è Nathan Larson, marito di Nina Persson e co-fondatore degli A Camp. Oltre a lui però i nomi che si rincorrono lungo l’album sono molti e di tutto rispetto, basti pensare alle pennellate noise della chitarra di Tom Verlaine nella delirante “Appetite”.

In questo lavoro c’è davvero di tutto, dalle atmosfere dark pop alla Cure del singolo “To Who Knows Where” agli arpeggi folk malinconici di “Dream tonight”, fino a giungere alle orchestrazioni soffuse di “A string of words”. Si passa da una sonorità all’altra con una naturalezza davvero disarmante, ma tutto sembra coeso e maturo. C’è solo un piccolo particolare che rende “difficile” il reperimento di questo album: è uscito solo per il mercato giapponese. A internet l’ardua sentenza.

Teaser dell’album:

“Look to the Sky” in streaming:

http://grooveshark.com/album/Look+To+The+Sky/7694228

La classifica dei singoli più scaricati tramite iTunes, questa settimana mette in prima posizione Gotye (“Somebody That I Used to Know”) e Fun (“We Are Young”).

Ma ora dite: chi è che, in tempi non sospetti, tipo quando in Italia ancora nessuno o quasi si filava i due suddetti, vi aveva già parlato positivamente dapprima dell’uno, e poi anche degli altri?

Eh? Chi è?! Chi è?!?

Mi piacerebbe poter dire che i due sono primi anche grazie a Penguins. Quasi sicuramente non è così, ma fin tanto che nessuno lo smentisce a suon di dati certi, mi sembrerà di avere sempre un piccolo credito da vantare nei confronti di entrambi. Esauribile in una birra, ma tant’è.

Il 7″ è il primo volume di una serie di uscite (The seven inch series) rilasciate dall’ etichetta nostrana Fratto 9 under the sky in collaborazione con kinky gabber, in edizione limitata a 200 copie, in vinile blu e con la copertina ad opera dello stesso Roden.

Musicalmente i Luminance Ratio si muovono su territori rarefatti che includono soluzioni inqudrabili nel territorio della musica avanguardistica di ispirazione elettroacustica. Nel Brano “Reoccuring dreams” mantengono nel suono sia la presenza di strumenti convenzionali suonati in modo non convenzionale, che inserti di derivazione meno ortodossa come microfoni a contatto, loops ed effettistica varia, fino a toccare territori affini alla psichedelia. 

Steve Roden, con “Marvelous Is Flairs”, focalizza maggiormente la sua proposta in territori che si distanziano maggiormente dalla musica suonata attraverso strumenti di concezione canonica, servendosi di mantra vocali, note dilatate e registrazioni ambientrali.

Due proposte interessanti, una veste ed un formato non privi di fascino, rappresentano un primo traguardo importante per un 7″ prodotto con passione e sacrificio in un panorama, quello underground italiano, spesso francamente scoraggiante.